jon CURIEL

CWT


Leave a comment

Sobre como Chicago juega con el rompimiento de la cuarta pared.

♪All I Care About ♪ Manteniendo a las audiencias entretenidas

Chicago es un musical que estrenó en 1975 y está basado en una obra del mismo nombre escrita por la reportera y guionista Maurine Dallas Watkins, quien en 1924 cubrió los juicios de dos mujeres asesinas para el periódico Chicago Tribune. A inicios de los años 20, la prensa y el público de Chicago eran atraídos por los homicidios cometidos por mujeres. Estos casos sucedían en la era del jazz, la cual cambió mucho las percepciones que se tenían acerca de las mujeres. Además sucedían a la par con muchas absoluciones de mujeres asesinas en los juicios que sucedían en el condado de Cook, levantando sospechas de que las mujeres atractivas y/o femeninas salían impunes, esto se sostenía porque en ese entonces todos los miembros del jurado eran hombres. Los periódicos tenían diversas opiniones respecto al destino de estas mujeres, sin embargo toda la prensa mostraba a muchas de estas mujeres como celebridades.

Las columnas sensacionalistas de Watkins resultaron ser muy populares, tanto que decidió escribir una obra, la cual llevó por título Chicago, basada en dos de los casos que cubrió, el primero veía a Beulah Annan, quien fue acusada en Abril de 1924, a sus 23 años, de haber asesinado a un hombre que “intentó hacerle el amor”, sin embargo se reporta que tardó 2 horas en llamar a su esposo para informarle de esto. El segundo caso que la periodista presenció fue el de Belva Gaertner, quien era una cantante cabaret. Oficiales reportaron haber visto a una mujer (Gaertner) entrar a su carro y poco después escucharon disparos. El cuerpo de Walter Law fue descubierto recargado en el volante del carro de Belva con una botella de gin y una pistola automática en el piso del auto. La obra original fue aclamada por la crítica y fue muy popular, logrando entrar a Broadway en 1926, además de tener un film silencioso en 1927 y otro en 1942, estelarizado por Ginger Rogers.

En los 60’s, la actriz de teatro musical Gwen Verdon leyó la obra y le pidió a su esposo, el adaptar la obra en un musical. El esposo era el aclamado coreógrafo, director y actor Bob Fosse, el cual intentó contactar a Watkins, la cual se reusó a vender los derechos por cambios morales en su vida que la hacían creer que su obra glamorizaba una forma de vivir escandalosa. Sin embargo, al morir este adquirió los derechos y comenzó a trabajar en un musical junto con John Kander y Fred Ebb, los cuales modelaron cada número en un estilo vaudeville, haciendo que la comparación entre justicia, el mundo del entretenimiento y la sociedad fuera obvia.

♪Razzle Dazzle♫ El Nacimiento de un musical.

Ebb y Fosse se encargaron de escribir el libro para el musical, este último también funcionó como director y coreógrafo, mientras que Kander se encargó de la música. El libro se escribió en un estilo vaudeville porque, de acuerdo a Ebb: los personajes son artistas. Cada momento musical estuvo ligeramente basado en alguien más (Se imaginó a Roxie como Helen Morgan, a Velma como Texas Guinan, al abogado Billy Flynn como Ted Lewis y a Mama Morton como Sophie Tucker). Fue durante la producción y no el libreto que muchas de las convenciones tradicionales que caracterizan Chicago fueron desarrolladas, ejemplos de esto son algunos movimientos de mano en la canción ‘Razzle Dazzle’, la canción final, la cual terminó siendo ‘Nowadays’, así como un personaje eliminado que en el libro iba a ser un agente de talento, aunque algunas de sus características fueron añadidas al rol de Mama Morton.

Al estrenarse el musical el 3 de Junio en el 46th Street Theatre, este recibió críticas mezcladas, pues el romper la 4ta pared hacía que las audiencias se sintieran incómodas, además de que no se apreció el tono de cinismo que se hacía principalmente en contra de la sociedad y el espectáculo americano.  El musical tuvo 936 presentaciones y no fue bien recibido hasta décadas después, cuando fue revivido en 1996 con un estilo muy minimalista.

♪I Can’t Do It Alone♫ Del escenario a la pantalla

El éxito de este “revival” hizo que las audiencias apreciaran más el trabajo original de Fosse y renovó el interés para realizar una adaptación a la pantalla grande, pues Fosse planeaba hacerlo después de haber dirigido la tan exitosa película ‘Cabaret’. No fue hasta el año 2002 que esto se volvió una realidad, pues en Diciembre 27 se estrenó la película Chicago, misma que ganó seis premios de la Academia, incluyendo mejor film. Rob Marshall se encargó de dirigir la película, la cual contó con un guión de Bill Condon y la producción de Martin Richards. Además de las actuaciones de Reneé Zellweger, Catherine Zeta-Jones, Richard Gere, Queen Latifah, John C. Reily y Lucy Liu.

La película se basó no solo en el musical, sino también en la obra original de Watkins. Aunque durante la traducción de estos a la pantalla hubo varios cambios, pues los actos vaudeville que se presentan en el musical se convierten en actos musicales que suceden en la cabeza de Roxie, la protagonista de la historia, sin embargo en ambos formatos estos actos son, en su mayoría, ajenos a la acción que sucede en la realidad.

A Chicago, así como a Moulin Rouge! y 8 Mile, se les atribuye el ser responsables de que el género musical en el cine haya sido revivido, emergiendo después de un tiempo y logrando que películas musicales como Dreamgirls, Hairspray, Sweeney Todd, Mamma Mia! e Into the Woods (todas con algún miembro del cast o crew de Chicago formando parte de ellas), entre muchas otras lograran tener éxito y resaltar.

♫All That Jazz♪ Cómo los números musicales son la entrada a otro mundo.

La película de Chicago se distingue de otras películas musicales por la particularidad con la que se manejan sus números, pues esto sucede en un mundo alterno al que se presenta en la película, sin embargo los números ayudan al desarrollo de la película, dándole un tono acorde a lo que se quiera ir mostrando. Desde un inicio se establece que esta película le pertenece y está contada desde la perspectiva e interpretación de Roxie Hart, pues en la primer escena esta mira directamente a la cámara, y se hace un close up a sus ojos, revelando la intención de entrar no solo a su vida, pero también a su mente. El primer indicio de que su mente y su interpretación van a tomar relevancia ocurre en el primer número musical, “All That Jazz”, el cual sucede en el mundo real y es interpretado por la conocida Velma Kelly justo después de asesinar a su hermana y a su esposo. Roxie ve la escena y al final se imagina a ella en el lugar de Velma.

El género musical está bastante lígado con el musical escénico, cuya estructura es una transición entre diálogo y número músical, dandole a este último prioridad. Usualmente la historia se desarrolla en un mismo universo, y la canción comienza después de uan acción, aunque toman lugar en el mismo escenario, esto es bastante estructural y común para el género, la mayoría de musicales van por este camino, pero no Chicago, en este musical se exploran dos mundos diferentes, el real, que es en el que sucede la historia, así como la primer y última canción; y el imaginario, el cuál viene desde Roxie e incluye montajes escénicos ricos en variedad y en arreglo. En el musical original, es Velma quien rompe la cuarta pared, dirigiéndose a la audiencia para contar sus monólogos, sin embargo en la película es Roxie quien se encarga de incluir a la audiencia, pues se tomó la decisión de que el enfoque iba a ser 100% en ella.

A pesar de suceder en otro mundo, por decirlo así, el montaje de las canciones explica mucho de lo que sucede en el mundo real, dándole color, tonalidad y ritmo. Para dar un ejemplo, el número “We Both Reached for the Gun” sucede durante la primer rueda de prensa de la protagonista, Roxie, y su recién contratado abogado, Billy Flynn. Este le explica cuál será el ángulo que tomarán para explicar su crimen y le recomienda que no diga nada, llamándola incluso “dummy” (algo así como títere), por lo que el número sucede en un escenario en el que Roxie es literalmente un títere sin cuerdas manipulada por Flynn. De igual manera, todos los reporteros presentes en la rueda de prensa toman parte en el número, siendo también títeres, pero con cuerdas, igualmente manipulados por Billy, en el número y en la vida real, pues el miente para ayudar a Roxie y ellos no tienen forma de saberlo, creyendo que todo lo que dice es cierto, incluso uniéndose al final a la canción, mostrando que están de acuerdo con la historia que se les presenta, en la cual tanto Roxie como su asesinado, Fred Casely, intentaron agarrar el arma, siendo ella quién llegó primero.

Todos los personajes principales tienen un número que los representa, a pesar de que las únicas artistas en la realidad sean Velma y Roxie. Esto es importante, pues el solo de cada personaje a pesar de ser la interpretación que Roxie tiene respecto a ellos, también describe su personalidad y lo que cada uno aporta a la trama. En el caso de Mama Morton, la matrona de la cárcel, y del abogado Billy Flynn, sus números los introducen a la película. Con la primera el número vaudeville “When You’re Good to Mama” explica directamente quién es y cómo trabaja, mientras que con Flynn “All I Care About” muestra mucho de cómo funciona Billy, pues en su número le da prioridad al amor cuando en realidad su moral no va por ese lado.

El tercer personaje que canta acerca de quién es, el esposo de Roxie, Amos lo hace mucho después de que se le presente en la película, pero lo hace en un momento crítico para el, cuando se da cuenta que su esposa no tiene interés en él, por lo que canta “Mr. Cellophane” frente a un escenario vacío con solo una persona desconocida mirando, además de que su introducción va por cuenta de Roxie, quien canta “Funny Honey” mientras se trabaja en el crimen de como Roxie mató a Fred. Este es el primer número que sucede en la cabeza de Roxie, y la transición utilizada es cuando el policía la apunta con la linterna, lo que se traduce al escenario como un spotlight. Ahora, Cellophane podría parecer como un número ajeno a la interpretación de Roxie, sin embargo se rescata por el  hecho de que sucede justo cuando Roxie y Amos se miran mientras esta se aleja después de haberlo ignorado.

Ahora, en el musical la 4ta pared se rompe de forma muy notoria, pues el personaje de Velma, principalmente, se dirige a la audiencia continuamente para narrar sus monólogos. Sin embargo la película traduce esto a este mundo de fantasía, por lo que la 4ta pared trabaja de forma más sutil, a pesar de estar presente. Esto es evidenciable sobre todo en los números musicales, pues el posicionamiento de la cámara da la sensación de que el espectador forma parte de la audiencia, de que está presente en el mundo de fantasía mientras las canciones toman lugar, además de que hay un presentador que introduce la canción y al artista al inicio de los números musicales, hablando directamente con la audiencia. Esto es parte de lo que diferencía Chicago de una película musical bastante similar, Cabaret, a pesar de que ambos comparten el ser desarrolladas por Bob Fosse. En Cabaret, los números también toman lugar en un escenario y rompen la cuarta pared, sin embargo los únicos cantantes son los que trabajan en el escenario, el cual es un club real en la película. En Chicago no hay un escenario “real”, pues todos los números toman lugar en un escenario que se presenta conforme se va desarrollando la película, siempre en la mente de Roxie.

Siguiendo esta idea de tener escenarios apareciendo conforme surge el número músical, el ejemplo más claro de esto es “Cell Block Tango”, un tango que corre a cargo de seis asesinas de la prisión, entre las que se encuentran Velma y una húngara que lo único que puede decir en otro idioma es que no es culpable. El montaje de esta escena musical comienza con Roxie escuchando ruidos naturales en prisión, ruidos que se tornan rítmicos, para dar paso a una introducción de las cantantes por parte del que ha sido presentador en los números, aunque esta vez no se encuentra en un escenario ni tiene un micrófono. Una vez que esto sucede la música se vuelve más fuerte y poco a poco la escena cambia a una interpretación en un escenario no convencional. Es decir, no hay un proscenio ni una audiencia como en otros números musicales, sin embargo la iluminación utilizada denota que sin duda la canción ocurre en un ambiente totalmente escénico.

Igual que con “Cell Block Tango” hay otros números en la película cuyo montaje apoya este rompimiento de la cuarta pared sin necesidad de suceder en un escenario tradicional para el teatro, ya sin mencionar que todos ayudan al desarrollo de la trama. “Roxie” sucede cuando la inspiración para el título comienza a adquirir fama y notoriedad, fantaseando cómo será su acto una vez que sea libre, comenzando con un monólogo acerca de su vida para pasar a la canción, misma que representa la vanidad absoluta de la protagonista, por el uso de tres elementos: espejos, hombres que la levanten y su nombre brillante y enorme. La cuarta pared no podría estar más presente al momento en el que Roxie presenta su monólogo, pues la audiencia es el espectador, sin duda.

La imaginación de Roxie se desdibuja un poco al momento en el que Velma intenta convencerla que se una a su acto una vez que ambas sean libres, por lo que explica a través de una canción, “I Can’t Do It Alone”, como trabajaba ella con su hermana, al mismo tiempo pidiéndole a Roxie que considere la oferta, sin embargo ella se rehusa, pues a esta altura los roles han cambiado y ahora ella es quien importa en la prensa, es por esto que el anunciante se dirige a la audiencia para decir que este es un acto de desesperación por parte de Velma. Al igual que “Cell Block”, la canción se desarrolla en la prisión, a través de los ojos de Roxie.

Un número muy interesante que sigue esta línea de canciones desarrolladas en el lugar de la historia sin mostrar un escenario escénico, pero que a la vez sucede en un mundo imaginario es el segundo solo de Billy Flynn, “Razzle Dazzle”, pues suceden cosas muy interesantes, la primera es puramente desarrollo de personaje, pues en su introducción Billy aseguraba que lo que le importaba era el amor, mientras que en este momento, que es el desarrollo del juicio de Roxie, este abandona esa falsa imagen que pretende dar para hablar de cómo la audiencia puede ser fácilmente engañada y entretenida, en otras palabras: panem et circenses. Por otro lado el montaje es muy dinámico, pues esta canción es la que más se traslada de la realidad al mundo de fantasía creado por la mente de Roxie. Hay una interacción muy grande entre los dos mundos cuando Amos se encuentra en el estrado y una bailarina está detrás de él, uniendo los dos mundos y abriendo la pregunta de que tanto de la imaginación exagerada de Roxie puede trasladarse a la ridiculez de la realidad en la que una mujer asesina es una celebridad. Toda esta secuencia sucede en la sala de juicio, con la realidad manejando tonalidades cálidas y discretas, pero la fantasía cambiando a tonos llamativos e iluminación más notoria.

Ahora, no solo los números musicales son los que rompen la cuarta pared, hay dos momentos en la película que manejan el mismo lenguaje sin necesidad de alguien cantando. El primero es el momento en el que la prisionera húngara está por ser colgada, pues en la realidad es llevada a su muerte, pero en la cabeza de Roxie esta mujer solo está haciendo un acto de magia, un acto frente a una audiencia del cual desaparece antes de colgarse en la cuerda. El segundo momento sucede después del número que toma lugar en el juicio, y trata solamente de Billy bailando tap en un escenario mientras en el juicio expone su caso e intenta rescatar a Roxie del voicott en el que Velma la mete al leer su diario, esperando una respuesta por parte del juez. Estos momentos representan como Roxie, siendo la dueña de sus pensamientos, puede alterar la realidad o las expectativas de la misma, nuevamente invitando a los espectadores a ser parte del espectáculo que está sucediendo dentro de ella. La forma en la que el abogado baila tap, la velocidad, el ritmo, resultan un poco estresantes, sentimiento que ella debió haber estado sintiendo al sentir que todo pudo caerse abajo.

Una vez que se declara el veredicto y Roxie resulta ser inocente ante el juez otro asesinato ocurre justo afuera del edificio en el que el juicio toma lugar, por lo que Roxie se convierte en cosa del pasado, no sin antes proporcionar un número musical más en este mundo alternativo, “Nowadays”, el cual inicia con Roxie cantando la canción en un escenario bajo una luz apuntandola a ella, pero termina con ella audicionando en un teatro pequeño de la ciudad. Esto es interesante, pues se hace una transición de la fantasía a la realidad, este número es el último que sucede en la cabeza de la protagonista, y nisiquiera es completado. Pues al final Roxie decide aliarse con Velma para revivir el acto que esta última tenía con su hermana, dándole a Roxie la fama que tanto deseó, por lo que ya no es necesario para ella el fantasear ni viajar a su mundo imaginario, el cual sucede en los escenarios, ya que su vida es tan buena como aquella que una vez anheló.

♪Nowadays♪ 

La importancia que tiene el mantener la cuarta pared intacta cae mucho en este juego que el espectador acepta al momento en el que ve un producto audiovisual, pues a pesar de que se puede llegar a sentir parte de la historia este acepta creer que lo que sucede es verosímil, por que el universo así lo hace creer, además de que el producto nunca hace alusión a si mismo, pues esto rompe con las concepciones e interpretaciones que se tienen acerca de la pantalla, pues muchas veces se espera que esta nos traslade a otras realidades, aunque siempre como un espectador. Es por esto que creo que Chicago es peculiar, pues hace referencia a si mismo y rompe convenciones que se tienen sobre el consumo de un producto audiovisual. Al haber dos universos se rompe la realidad, pero de una forma que el espectador se cree lo que está pasando, principalmente por que en este caso el espectador se siente parte del espectáculo que sucede en la cabeza de Roxie más que en la vida real.


Leave a comment

Reduce, Reusa, Recicla.

La diversidad de formas para contar historias ha sido centro de atención y de dinero en la industria cinematográfica, pues hemos avanzado de imágenes silenciosas a blanco y negro a proyecciones en “cuarta dimensión”. Esto es posible, y se ha probado rentable, gracias al material con lo que infinidad de autores han llenado las pantallas. La necesidad de las audiencias para ver historias nuevas y conocer mundos diferentes solo ha aumentado, cada vez hay más variedad y más necesidad de diversos tipos de narrativas. Sin embargo desde el inicio ha habido una cuestión que no se había hecho tan latente hasta la actualidad, o eso parece, a pesar de haber estado presente en todo el transcurso de la historia del cine. Esta cuestión es, la necesidad por utilizar narrativas ya existentes y reciclarlas, modificarlas y reusarlas, en otras palabras, el hacer remakes, reboots y pastiches.

photo (1)photo (1)photo (1)photo (1)photo (1)photo (1)

El hablar de reboots y remakes puede resultar algo confuso, pues las dos se basan en tomar un producto existente y alterarlo, aunque no de la misma forma. El remake trabaja de forma algo fidedigna, pues utiliza elementos claves de un producto audiovisual, normalmente los personajes, parte de la trama, género e historia, aunque no siempre es así.

El primer remake registrado es el western mudo “The Squaw Man” de los directores Oscar Apfel y Cecil B. DeMille, producida también por este último y Jesse L. Lasky y estrenada en el año de 1914. En 1918 DeMille volvió a dirigir el western mudo con el mismo nombre y trama, aunque diferente elenco. Sin embargo, esto no quedó ahí, pues en 1931 DeMille volvió a dirigir la película por tercera vez, aunque esta fue con sonido. Esta película fue pionera para la ahora creciente necesidad por contar historias conocidas de una forma un poco distinta. Ejemplos de remakes son Ocean’s 11 (1960) y Ocean’s Eleven (2001), la aclamada Fame (1980) y Fame (2009) y The More, The Merrier (1943) y Walk, Don’t Run, entre muchos otros; en la televisión se pueden tomar como ejemplos Beverly Hills, 90210 (1990 y 2008) y Hawaii Five-O (1968 y 2010). El hacer un remake puede o no resultar exitoso.

Por otro lado, el reboot descarta todo el canon previo, normalmente “comienza desde cero”, pues es un relanzamiento que conserva los elementos más importantes, la mayoría de las veces la intención de esto es el atraer a nuevas audiencias, actualizar o renovar, puesto que el material previo no funcionó o ya estaba muy gastado. Ejemplos son la reciente adaptación de Los Cuatro Fantásticos (2005 y 2015), Spiderman (2002, 2012 y próximamente 2017) y en la televisión programas entre los que se encuentra The Flash (1990 y 2014).

El pastiche se encarga más de rendir tributo u homenaje a productos existentes, en lo audiovisual se puede tomar como el utilizar elementos un poco más técnicos como lo son la iluminación, ángulos y movimientos de cámara. Tarantino ha admitido utilizar características de otros trabajos para sus creaciones, igualmente Star Wars es un pastiche de la película de ciencia ficción Metalstorm: The Destruction of Jared-Syn (1983) además de tener mucha influencia de la película que hablaremos a continuación.

photo (1)

Uno de los remakes más exitosos y reconocidos por parte de la crítica es la película Los Siete Magníficos (The Magnificent Seven, 1960), de John Sturges que proviene de la película Los Siete Samurái (Seven Samurai, 1954) del director Akira Kurosawa.

La trama dice así: Un grupo de campesinos que viven en una aldea/un pueblo, se ven amenazados y saqueados por una banda de forajidos. El habitante más viejo, les aconseja a los demás que busquen la manera de defenderse, llevándolos a contratar los servicios de siete samuráis/ pistoleros -con habilidades únicas- para dar fin al terror que los asecha. Hasta este momento, la historia es igual en ambos films. Tenemos a estos siete personajes importantes que van a arriesgar sus vidas por una causa que creen justa, un grupo de bandidos y los campesinos que descubren, inspirados por la valentía de los siete, que más les vale morir luchando que morir prisioneros de su propio miedo.

Aunque no hay mucho que ahondar acerca de esta parte en cuanto a ambos films, es importante que se destaque el elemento principal del remake: se trata de imitar de forma abierta pero al mismo tiempo de aportar algo “nuevo”, algo “original”. La clave del remake está en llevar estos elementos homenajeados y transformarlos en otras cosas distintas.

En los Siete Magníficos de Sturges nos encontramos bajo el árido sol del campo mexicano, con siete personajes que usan pistolas, botas, sombrero vaquero y chaparreras. Hay machetes, palos, palas, sillas y hasta bancos. En los Siete Samurái de Kurosawa, nos encontramos en una aldea desolada de Japón, con siete personajes armados con sables, vestimenta samurái y su impecable técnica. Hay palos, dagas y una que otra pistola. Sólo que en la primera, todos mueren a manos del plomo y en la otra mueren cortados por el filo del metal.

Un remake no sólo utiliza elementos del fondo sino también de la forma. Empezando por el género de ambos films, aquí ya tenemos una discrepancia: uno se rige bajo la lógica del western, y el otro bajo líneas de acción y drama. Los Siete Magníficos tendrán –aparte de la paleta de colores- una lógica de grabación en cuanto a planos e iluminación distintos a la de Los Siete Samurái. En el western el plano por excelencia es el plano americano por lo que vemos constantemente este encuadre, haciendo también que el aspect ratio del film cambie (2.35: 1); el género también hace que la edición en cuanto cortes y fluidez sea un poco más lenta, alargando los planos más segundos en lugar de pasar a un corte directo a intervalos regulares. En el caso de la película de Kurosawa, el aspect ratio es de 1.37: 1 además de que los planos son abiertos y close ups; el flujo de la misma es más rápido, con varios cortes directos a intervalos regulares.

Incluso dentro de ambos films hay escenas que se repiten en todos los sentidos. Una en particular es cuando el grupo de campesinos se lanza a matar a uno de los bandidos que va a caballo. Ambos grupos de campesinos corren con palos, machetes, palas y cuchillos en el aire hasta llegar al malo; lo comienzan a golpear y terminan bajándolo del caballo así matándolo.

Son muchos elementos los que hacen que el remake de Los Siete Samurái sea un gran homenaje occidental. Es una historia de honor, vaqueros y samuráis que explota mucho la cultura para hacer sus elementos característicos resaltar. Sean sables o pistolas, el viejo oeste entre fronteras o una aldea del Japón antiguo, No cabe duda que Los Siete Samurái han sido un film que influencia e influenciará a muchas películas. Parece que en la época de los remakes, reboots y pastiches, una historia puede ser eterna si se sabe que cosas tomar de ella y como construir otras a partir de las mismas. Años después de su estreno, homenajes, reinvenciones y referencias han sido localizadas en las historias más inesperadas. Algunos de los ejemplos más sencillos vienen de películas y series como Bichos: Una Aventura en Miniatura de Pixar, Samurái 7 un anime del estudio Gonzo y un episodio de The Star Wars: The Clone Wars llamado “Bounty Hunters” en donde la historia (la esencia de Los Siete Samurái) es el elemento homenajeado que es llevado a circunstancias distintas.

Los remakes, reboots y pastiches no son un fenómeno exclusivamente posmoderno, más sí un recurso explotado de manera significativa actualmente. Permiten que una historia perdure generación tras generación o por lo menos que partes de la misma naveguen a lo largo de los años. En esta época donde la intertextualidad es tan común como respirar, los reboots, remakes y pastiches (bien construidos) sirven para generar un diálogo entre textos que proponen y transforman cosas importantes. ¿Qué tan seguros estamos que las historias que leemos, vemos y escuchamos son cien por ciento “puras” u “originales”? ¿A caso estos recursos son la última herramienta que le queda al mundo audiovisual en esta época donde por todas las esquinas se aproximan estrenos revestidos de estas características? ¿Llegará algún día donde de tantos remakes, reboots y pastiches, las historias se agoten y se pierdan? ¿Cuál será la próxima era del audiovisual?

Mientras nos invade una ola de remakes y reboots futuros, será bueno poner en la mesa si estos recursos serán ideales para estas historias. Un clásico reinventado o relanzado, reducido, reusado o reciclado, mientras la industria tenga de donde estirar y cortar, probablemente la era de los remakes, reboots y pastiches se mantendrá con vida.

Bibliografía  

Beave, F. E.  (2006). Dictionary of Film Terms: The Aesthetic Companion to Film Art.  Obtenido  de Google Books:  https://books.google.com.mx/books?id=Jj7vAjkArz4C&printsec=frontcover&hl=es#v=onepage&q&f=false

IMDB.com. (14 de  Octubre de 2015). Los siete samurais. Obtenido de  http://www.imdb.com/title/tt0047478/

IMDB.com. (14 de  Octubre de 2015). Siete hombres y un destino. Obtenido de  http://www.imdb.com/title/tt0054047/

Wikipedia.com. (22 de  Julio de 2015). Los siete samuráis. Obtenido dehttps://es.wikipedia.org/wiki/Los_siete_samur%C3%A1is


Leave a comment

Una nueva forma de contar historias.

Introducción.

Este microanálisis examinará la película ‘Soy Cuba’ de Mijaíl Kalatózov de una forma enfocada al rompimiento de la narrativa clásica. Se hablará de como se maneja la narrativa a través de una temática, que es el país, la cual no utiliza la convención narrativa de inicio, desarrollo y final, a pesar de contar con estos elementos.

Se responderá a preguntas y cuestiones que hablen de una comparación entre la narrativa clásica y la ruptura de esta, generando nuevas formas de contar historias y de mantener la atención del espectador. En este caso, el contexto es imprescindible para el entendimiento de la película, por lo que hay elementos que se vuelven más importantes que la narrativa misma.
photo (1)    photo (1)

Condiciones de Producción.

‘Soy Cuba’ es una película cubana y soviética que en su estreno no fué bien recibida por el público de ninguno de estos dos países. La pelícla surge cuando el gobierno cubano de Fidel Castro pidió apoyo a la Unión Soviética después de la Revolución Cubana en 1959. Esto incluyó al ambito audiovisual, pues Rusia promocionaba el sistema comunista y vió la oportunidad al financiar y apoyar una película Cubana de propaganda. Ambos gobiernos apoyaron la producción, la cual duró más de un año y estuvo a cargo del director georgiano-soviético Mijaíl Kalatózov.

La película también se distinguió por las innovadoras técnicas que fueron utilizadas en el rodaje, pues a la cámara se le añadieron lentes herméticas con un periscopio especial para ciertas tomas, también esta fue sumergida. La filmación se reconoce como acrobática por técnicas tales como los planos secuencia y el tener a una “cámara voladora” capturando algunas escenas.

Contextualización (Cuba a inicios de los 60’s)

Cuba en los 60 se encontraba en un periodo totalmente revolucionario. A partir de la revolución de cuba (1956-1959) el país ha estado en manos del movimiento revolucionario desde entonces. Esta provocó la caida del régimen de Fulgencio Bautista, un dictador y militar del país, y el levantamiento de Fidel Castro con la ayuda del Che Guevara. Esta revolución fue la primera de un partido de izquierda y desencadenó otros levantamientos izquierdistas en América, algunos que continúan en la actualidad. Poco antes de la victoria, Castro redactó el Manifiesto de la Sierra Maestra, en el que uno de los puntos importantes era el comprometerse a celebrar elecciones.

A inicios de los sesenta Estados Unidos comienza a tener un embargo económico a la isla, a pesar de no ser bien visto por la Asamblea General de las Naciones Unidas, siendo considerado un bloqueo económico, comercial y financiero impuesto por el país, el cual se justifica denunciando violaciones de los derechos humanos en Cuba. Además de que Estados Unidos comenzó una serie de agresiones hacia el país, impidiendo el abastecimiento de armas a los rebeldes y facilitándoselas al movimiento de Bautista; planes contra Castro habían sido formados, aunque nunca exitosos.

En abril de 1961, Estados Unidos bombardea campos de aviación a pesar de que el presidente J. F. Kennedy se opone a la invasión del país. Además de que desde el 62 ha habido hostilidad mutua entre estos dos países, con intentos de asesinatos, guerra biológica, agresiones armadas, apoyo al terrorismo y acusaciones al gobierno cubano de apoyar movimientos terroristas. La Unión Soviética, que también tenía problemas con EEUU, decide junto con Cuba el poner misiles atómicos para detener a EEUU de invadir, este hecho creó lo que se conoce como la crisis de los misiles de Cuba, la cual puso al mundo al borde de una guerra nuclear, aunque al final el país se comprometió a no invadir Cuba y los misiles fueron quitados, de la misma forma que EEUU quitó misiles que tenía instalados en Turquía apuntando a la unión soviética.

Finalmente, el Che Guevara contribuye al desarrollo del país a viajar a lugares como la Unión Soviética, Checoslovaquia Corea, China y Alemania, donde logra estableces acuerdos comerciales y financieros, así como vínculos culturales, relaciones diplomáticas y acuerdos de asistencia científica y técnica.

Recepción desde su estreno hasta la actualidad.

Desde el momento en el que fue estrenada, la película no fue bien recibida ni por Cuba ni por la Unión Soviética y cayó por mucho tiempo en el olvido. Cuba criticaba que el enfoque de la película mostraba el lado más estereotipado de los cubanos, mientras que en Moscú se le consideró algo muy ingenuo y no lo suficiente revolucionaria. Además de que la Guerra Fría impidió que esta fuera distribuida en varios países del Telón de Acero.

El escritor cubano Guillermo Cabrera presentó la película en el Festival de Cine de Telluride, al hacer retrospectiva a las obras del director Kalatózov. Esta fue programada en 1993 por el Festival de Cine de San Francisco, y una pequeña productora, Milestone Films, compró los derechos de distribución en Rusia. En 1994, el aclamado director Martin Scorsese fue a un visionado privado de la cinta y terminó maravillado, logrando que Milestone lo invitara a la presentación de la misma. Francis Ford Coppola también fue parte de la campaña que inició Scorsese para promover su redifusión.

La película recibe buenas críticas y en el 2005 se lanza un documental sobre la producción de esta película, llamado Soy Cuba: O Mamute Siberiano.

Ficha técnica.

Título: Soy Cuba, I Am Cuba.

Titulo Original: Ya Kuva

Dirección: Mikhail Kalatozov

País: Unión Soviética, Cuba.

Año: 1964

Duración: 141 min.

Género: Docuficción. Drama. Película de Episodios.

Reparto: Sergio Corrieri, Salvador Wood, José Gallardo, Raúl García, Luz Maria Collazo, Jean Bouise, Alberto Morgan, Celia Rodríguez.

Producción: Mosfilm.

Aspectos Técnicos: Sonido Mono, Blanco y Negro, Formato de 35mm.

Sinópsis.

A través de cuatro historias se describe la lenta evolución de Cuba, del régimen de Batista a la revolución de Fidel Castro. Son cuatro narraciones que refuerzan el ideal comunista frente al capitalismo. A lo largo de estos episodios, Cuba se libera de sus dependencias políticas para reafirmar su identidad, singular e independiente, con sus contradicciones y esperanzas.

Desarrollo.

La película ‘Soy Cuba’ no es una película que cuente con una narrativa líneal, es decir, una narrativa clásica. Inicia con una toma que muestra la costa de la isla, lo cual es muy constante en la película. El mostrar imágenes de la naturaleza de la isla, así como la interacción de los habitantes con esta. Me parece que es una cuestión más de apreciación que de contexto. Hablando de contexto, la película no se puede entender, pero si se puede apreciar, sin conocer el contexto en el que fue creada.

La historia se divide en cuatro, cada historia muestra el sufrimiento de un personaje durante la dictadura del militar y político Fulgencio Batista. Varias veces aparece la voz de “Cuba”, una mujer que dice características de ella misma, lo que la hacen, lo que tiene, pero sobre todo lo que es, con todo lo bueno y lo malo, lo bonito y lo feo.

La primer historia que se muestra en la película es un contraste entre la población trabajadora del país, la cual se muestra en el campo recogiendo azúcar y haciéndo sus tareas diarias, y la vida nocturna, principalmente el de la vida en los casinos, los estadounidenses siendo parte de esto y también fomentando la prostitución. Es importante destacar que los estereotipos que se tienen de Cuba están muy presentes, pues aquí se muestra al cliente rico que va a buscar prostitutas. Hay también algo de drama cuando el cliente se acuesta con una prostituta, Bety, que no está satisfecha con lo que hace y lo esconde de su novio, quién al final termina descubriéndola con el americano, el cual huye en cuanto puede y es perseguido por los niños del barrio.

La segunda historia se enfoca en un trabajador que quema un campo de cañas de azúcar cuando le llega la noticia de que las tierras van a dejar de ser de ellos, pues una compañía privada americana (The United Fruit Company) las ha comprado. El señor se muestra desesperado, e incluso la mujer que canta en esta secuencia añade a la escena, y este al final quema los campos, dando a entender que si no serán de él entonces no serán de nadie. Aquí se muestra el estereotipo de los agentes americanos y de los trabajadores que se dedican al azúcar.

La tercer historia contiene una escena con marineros borrachos persiguiéndo a una mujer, otro estereotipo, la cual conoce a Enrique, quién la rescata. Aunque lo importante de esta secuencia, y el enfoque principal, es Enrique formando parte de un panorama que muestra la represión que sufren los estudiantes, mismos que comienzan a revelarse contra el gobierno, incluso quemando un autocinema.

La última historia lidia de forma más directa con la Revolución, pues se ve como por fin se declara la Revolución, incluso los campesinos se unen a los rebeldes de la Sierra Maestra. Aquí también se ve a una familia que se enfrenta a bombardeos externos como parte de la guerra, y se hace un llamado a los cubanos.

La narrativa clásica deja de ser, pues a pesar de que cada historia tiene un desarrollo, la forma en la que la hisoria se cuenta, además de el hecho de que son cuatro historias separadas, la hacen un tipo de narrativa diferente. Además de que hay diferencias entre esta nueva narrativa y la narrativa clásica, entre las que se encuentran el hecho de que la historia es más un tema que una historia, el inicio y el final se desdibujan un poco, hay cantidad de escenas que parecen no aportar a la trama, parecieran más poéticas para mostrar las características el país.

Una narrativa clásica es aquella que nos acostumbra a seguir un modelo narrativo líneal, con un inicio, desarrollo, clímax y final marcados, pero también nos engancha por la presentación de los personajes, las interacciones que estos tienen, y el conflicto que se les presenta, para lograr un cambio en el (o los) protagonista(s) al final del relato. Soy Cuba presenta historias, y cada historia resalta a un personaje, sin embargo este no tiene un cambio al final, no siempre, no necesariamente. La función de este personaje es la de ser parte de un todo, ser parte de un país que está en su mejor momento de rebelión.

Previamente dije que es importante el conocer el contexto para entender el film porque en el momento de producción Estados Unidos comenzaba a infiltrarse en Cuba, además de que pasaban por la famosa crisis de los misiles, en la que Cuba estaba “aliado” con la Unión Soviética. Hay escenas en las que vemos la guerra separar a una familia, también vemos una metáfora del americano que entra a la casa de una prostituta, y a la comunidad infantil hacerle frente al invasor. Durante toda la película prevalece este aire de que los ciudadanos son oprimidos, mencionando también que hay escenas de batallas y guerrillas en momentos de la película, así como escenas de rebelión y rebeldía. Cuba es un país que no se queda callado, que lucha por lo que le parece justo y lucha por sus derechos. La temática de la película deja eso muy en claro, el ser un país fragmentado y lastimado, pero un país fuerte dispuesto a enfrentar lo que venga.

Ciertamente se cubren muchos aspectos que pueden dar un panorama de cómo era Cuba en los años sesenta, se muestra a un país humilde, pero también a un país glamouroso, un país trabajador, pero también un país peligroso. Un país complejo. Se muestran escenas de campesinos trabajando, se muestra el característico azúcar, se muestra la pobreza, la prostitución, pero también se muestra un país con historia y con cultura, un país con música (doo-woop, un género que necesita ser revivido), con diversión, con fiesta, y sobretodo, se muestra a un país unido, capáz de enfrentarse a la adversidad. Imágenes como la marcha por las calles, la quema de los campos de azúcar, de los gritos de batalla hacen esto más evidente. Incluso la corrección de color hace que esto sea notorio.

Conclusión.

Ciertamente la película no es una película a la que esté muy acostumbrado. Cuesta trabajo el apreciarla, sin embargo, una vez que se le ve más como una pieza experimental que cuenta la historia de un país en rebelión se aprecia por lo que es y lo que tiene, lo que representa. La película es muy interesante en aspectos de cámara y dirección, además de que dice mucho sin realmente decir mucho, la película habla a través de las imágenes que presenta.

Además de que la forma de contar la película es inteligente, pues al romper con la narrativa clásica se permite hacer una exploración más abierta de lo que se quiere contar, teniéndo cuatro historias distintas, y por lo tanto, cuatro perspectivas del país y su situación.